国画艺术（精选十篇）
国画艺术（精选十篇）
国画艺术 篇1
张迪华,1950年3月出生。河南大学汉语言专科学历。北京画院9 9届研修生毕业。从学生、知青、工人、干事、记者、编辑、总编室主任,副总编辑、职业作家、书画家一步步走来,现为中国画院画家,国家一级艺术家,河南省作家协会、美术家协会、杂文学会会员。大唐东都牡丹书画研究院院长,菲律宾中国艺术中心特聘书画家,全日本中国艺术家联盟特约作家。至今已在海内外公开发表文学作品1 5 0多万字,有十多篇作品获奖;书画作品4 0 0多幅,有1 6幅入选全国及海外各类大展大赛,8幅获奖;《人民日报》《光明日报》《东方航空》《海内与海外》《党建·翰墨名家》《美术报》《中国书画报》《亚洲新闻人物》《2 0世纪中国书画艺术品鉴》《中国收藏》《河南电视台》以及菲律宾的《世界日报》《联合日报》日本的《水墨之友》等海内外数十家新闻媒介,对其作品和艺术成就给予了推介和报道;已在海内外举办过9次个人书画展,发表艺术论文6 0余篇(其中《<废纸论>的得与失》《笔墨究竟是个什么东西?》《笔墨,应该走下神坛》《百无禁忌说白石》在书画界引起广泛关注);海内外一些博物馆、美术馆和政界、商界要人,对他的作品均有收藏。人民美术出版社出版《当代中国书画名家作品集·张迪华卷》,天津人民美术出版社出版《雅俗共赏画牡丹》。
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关于张迪华的报刊艺术评论摘要
●迪华兄舞起画笔冯妇再作,“出手不凡”自然而然。文艺相通,书画同源,不过是用不同的方式表达对生活对事物的理解和感受。
——《张迪华其人其画》作者:孙建邦原载1995年5月14日《洛阳日报》
●文章尔雅从无俗,书画风流自有神。
——1996年10月8日河南省书协副主席李进学先生为张迪华首次书画展题词
●张迪华的成功,当然有诸多因素,其中最重要的还是得力于比较深厚的文学根底。思不竭而笔不困,然后才能桨勤而舟速。
——《宝奁妆就待春风》作者:洛人原载1996年10月11日《洛阳日报》
●雅与俗在他的画里不再是一对矛盾,而是经过艺术整合后的和谐统一体。他率意挥洒之间,便使山苍树秀、花鸟有神,于天地之外,别构一种灵奇。这不正是迪华先生对尔雅之美的表达和发扬吗!
——《尔雅之美》作者:秋潭原载1996年10月23日《洛阳广播电视报》
●很多追求品位的画家不屑于画牡丹,正是因为牡丹画太多、太烂、太俗的缘故。而张先生因为有着深厚的文学功底,加之他常常跋涉于山川江湖,行走于田野池塘,目观心摹手追,知山水之性,识花鸟之情,故张先生笔下的牡丹既生动传神, 又寓意藏趣,还讲究笔墨,真可谓雅俗共赏,而这一点也正是张先生的艺术追求。
——《惟有牡丹真国色》作者:道元原载1997年10月30日菲律宾《菲华时报》
●张迪华的作品还有一突出的特点,即融绘画、书法于一体。他的书法遒劲潇洒,颇具造诣,与其绘画相得益彰。观赏他的作品,似在欣赏一首耐人寻味的散文诗,像细饮一杯清香甘纯的美酒,犹闻三月春风里一种淡淡的清香。在给人一种意趣盎然、美不胜收的感觉的同时,又给人生活的启迪和精神的升华。
——《亦文亦画皆风流》作者:朝然原载2002年11月20日《洛阳广播电视报》
●在他的画里能见到一种灵动与凝重相隽永的自家风范,透着生机勃然的高华之象。他也画牡丹。他笔下的牡丹意趣娴雅,虽富丽而不妖媚。
——《笔走造化放情本真》作者:张元纯原载2003年17月24日《青年导报》
●张迪华可以说博览群书,不管东方的、西方的、古典的、现代的,也不管是小说、散文、木刻、摄影,他都要读都要学。他认为一个画家不注重画外之功,那么无论你是如何的勤奋刻苦,到头来都是不会有所作为的。
——《文山艺海皆绮丽》作者:野草原载2004年河南美术出版社出版的《书画魂》
●在《含苞便将春光唤》的画面构图上,张迪华采取了上下倚斜之势,色墨中追求季节时令之变,花苞有偃仰含放之态。最主要的是,画面上的牡丹在香艳之中尤见风骨,毫无浮华媚俗之感。
张迪华国画艺术欣赏
——《芳心不负断头血》作者:王俭廷原载2004年12月13日《中国书画报》
●张迪华先生的牡丹,敷彩厚重,晕染灿烂,花瓣舒卷起伏,春风盘旋,一派富丽景象。“香泽最深风静处,醉红需在月明时”,画家的风月襟怀和审美境界全在画中。
——《春风盘旋写花魂》作者:叶鹏原载2006年5月20日《美术报》
●张迪华的牡丹画之所以形神俱佳,主要是对“意”的尽情挥洒。他对牡丹花冠、叶片的分层、晕染,层次丰盈而不乱色。对花蕊的点缀,或红花黄蕊,或墨(白)花红蕊,宛如风姿绰约的舞女突然亮开了明眸,通体芬芳,勾魂摄魄。对枝干和叶筋的勾勒,用笔果断,线条肯定,好像铁片剪出,风神劲峭,似有金石之响。画幅中石头的配置,笔墨霸悍老道,石面立体而形美,与牡丹相伴相偕,色墨浑然华滋,悦人眼眸。人皆云不艳丽何以画牡丹,我却道无风骨怎可赋花魂。
——《心有灵犀赋花魂一—张迪华牡丹画赏评》作者:王俭廷原载2006第8期《时代风采》
●张迪华先生的牡丹画站在时代的潮头,讴歌了和谐盛世中人们对幸福的追求和对牡丹所寄托的情操。……张迪华先生和千年前的北宋画家赵昌的画风不谋而合,善于用色,注重写实,这不是偶然的巧合,是中华民族对绘画的一种态度。
——《细密富丽写牡丹一—张迪华牡丹画作品赏析》 作者:关俊声原载2008年4月9日《东方今报》
●观赏张迪华先生的牡丹画,确实让人有置身牡丹园中、花香袭人之感。他的牡丹花头层次丰富,花形多变,色彩明丽滋润,娇艳欲滴。……他笔下的叶子深浅聚散有致,虚实分明,隐约可辨三叉九顶,将牡丹花头衬托的更加妖艳迷人。这样,内行人看他的牡丹画,觉得有笔墨、 有文气、有新意、不俗;外行的人看他的牡丹画,觉得真实、生动、耐看、喜人。
张迪华国画艺术欣赏
——《笔情靓国色墨韵散天香》作者:赵克红原载2008年7月24日《人民铁道报》
●张迪华作品的气质正如国花牡丹的品格一般,雍容华贵,落落大方。作者如同一位歌者、一位诗人,用自己的画作歌尽牡丹的芳华,书写牡丹的品格。在张迪华的笔下,牡丹花灿烂厚重,展现出一种大气恢宏的品格。
——《我看张迪华的牡丹画》作者:肖楠原载2008年12期《中国收藏》
●深厚的文学修养使张迪华的牡丹画明艳富丽而毫无俗气。无论是构图立意、色彩墨气,还是走笔濡染、题款揿印,处处彰显的文学气息,使作品的格调拔高了许多。
——《笔情墨韵写花魂》作者:吕剑原载2009年1期《亚洲新闻人物》
●张迪华自幼生活在以牡丹名满天下的洛阳,个性中又对那些美好的东西有着特别的敏感,牡丹便自然成了他所要着力表现的重要主题。加之数十年来,洛阳的历史文化、人文胜迹、古圣先贤和固有的灵瑞之气,一点一滴、不知不觉、春雨润物般地渗透在张迪华的血液之中,成为他艺术成长的沃土和摇篮。
——《唤来春风放牡丹——记花鸟画家张迪华》作者:金聚太原载2009年第10期《东方航空》
●张迪华先生刚过花甲之年,作为书画家,这正是他艺术思想步入成熟、生活阅历日臻丰富、笔墨功底老辣扎实、创作精力丰盈饱满之时。收藏他的书画作品,恰逢其时。
——《丹青浸写牡丹图笔润春容百媚生一—著名书画家张迪华风范情操写意》作者:吕红翔原载2011年3月号《中国经济英才》
●文人画者十分重视诗画的联系,历来提倡诗画结合、取长补短,从而达到画中有诗、诗中有画、诗画相融的境界。但在当下物欲横流的社会里,我所知道的画家中具有完美结合的还不多见,而迪华先生不仅做到了,而且还有所超越。
中国画的艺术境界和艺术语言 篇2
——中国画的诗书画印结合表现方式
授课人：董铭
教学对象：高二年级
课时：1课时
教材分析：
本课为高中美术鉴赏研究课。在本节课内，学生、教师共同收集民间美术、实物、图片、视频等资料，并联系实际生活，引入与民间美术有关的民俗形式，在增加课程信息量的同时，开拓学生的视野。多媒体辅助教学（师、生制作多媒体课件）为学生欣赏美、了解美、发现美、评价美，表现自我提供了一种充满乐趣和信心的途径，从而使美术欣赏教学更为生动活泼。
民间美术是我国民俗文化的主要内容。在劳动人民社会生活中发生、发展，流传了几千年的美术品种，它存在于劳动人民生活的衣、食、住、行、用各方面，其品种浩繁。本课选取了典型的中国民间美术作品：年画、民间玩具、剪纸、风筝、编织、刺绣六类，让学生分组选题、收集素材、合作调查等，从而较为全面地了解我国民间美术的辉煌成就，理解学习掌握民间美术基础知识，不仅仅是继承和发展民间美术本身的问题，同时也是对民族历史文化统的继承和发展，也是我们进行树立民族自信心，增强民族自豪感教育的需要。
中国民间美术种类繁多，寓意深刻，文化内涵深厚，是一个自成体系的美术种类，是我国传统文化精髓之一。本节课通过调查汇报、交流评价、实践临摹来感受民间美术的特点和民间美术的语言、了解民间美术的一般审美特征，初步掌握民间美术的一般鉴赏要点。
学生分析：
高中生的身心发展水平接近成熟状态，在繁忙的学习之余十分关注流行，对民族传统文化知识的了解只留于表面。审美能力的培养，传承与创新民族文化意识有待进一步提高。
设计构思：
关注教材的同时以学生为主，把“搜集资料→阅读欣赏→讨论探索→评价延伸”的研究型学习方式用于课堂教学，引导学生自主参与，多元发展。课前，通过课题小组等研究形式，增强学生鉴别、筛选、处理信息资源的能力，学会合作，体验探究，感受发现的愉悦与成就感。同时多样的自主研究活动，促使学生更好地吸收时代信息和多元美术的艺术观念。进一步激发了学生学习美术的兴趣。
教学目的：
知识和技能：
1．了解中国民间美术的概念、种类及特点，初步掌握民间美术的一般欣赏要点。
2．简单了解民间美术与民间习俗的关系及民间皮影、北京沙燕风筝等基础知识。
3．了解中国第一次“文化遗产日”活动讯息。
过程和方法：
以“欣赏美、了解美、评价美”为线索，尝试把“搜集资料→阅读欣赏→讨论探索→评价延伸”的研究型学习方式引入教学。
情感态度和价值观：
1．通过本课教学，使学生走近民间美术、走近生活，达到拓宽美术视野，增长知识，陶冶情操的目的。
2．通过多种实践，让学生感受民间美术的魅力，培养学生对民间美术的欣赏能力。
3．关注社会热点，懂得民间美术在现代设计中的重要性，培养学生对祖国传统艺术的传承与创新精神。
教学重点：民间美术的特点。
教学难点：民间美术的传承与创新。
教学准备：学生：制作多媒体课件。教师：制作多媒体课件，民间美术作品实物。
1．将课题分成六个小部分，学生分成六组，由美术课代表、语文课代表、电教课代表负责组合人员。
2．各组负责搜集整理相关部分的材料（图片、实物、网络资料、制作课件）
3．提前检查学生准备的材料是否充实，不足的教师给予补充。
4．课前把教师、学生准备的材料布置在教室版面上，营造出直观的中国民俗文化氛围。
[教学过程]
（一）组织教学，师生问好
（二）导入新课
师：上一节课我们了解了民间美术的概念，它们的创作基本上是从事生产的劳动人民，民间美术存在于人民的日常生活，节日活动中，反映劳动人民的思想、情感和观念。民间美术有着鲜明的民族性和地方性。它的创作和流传方式是集体的，它与宗教、民俗有密切的联系。
师：哪位同学能来概括一下民间美术有几大类？
生：年画、民间玩具、剪纸、风筝、编织、刺绣等。
（三）展示调查报告
每个小组通过课外调查学习、搜集素材、讨论分析，对中国民间美术有了一定的了解，同学们有何收获？（各组先找两位代表：一位学生作讲解、一位播放背景课件）播放6个小组课件，展示课件中大量的图片资料。小组介绍后，老师进行补充，进一步拓宽学生的视野，激发学生对我国丰富多彩的民间美术的喜爱之情，从而使学生热爱祖国的传统文化，振奋民族精神。
师补充：
年画，又称木版年画，是一种运用木板彩色套印在纸上的画种，它是我国民间过年节时张贴的一种民间画类，用以除旧岁、迎新春、美化环境、营造节日的喜庆欢乐气氛。我国在长期的社会活动中，为了适应人们的生活和心理的需要而产生的民俗节日，经长期的社会传承固定下来，成为民族传统文化的组成部分。在我国众多的传统节日中，最具代表性的当属春节了。据载，早在汉代民间就有在门上画勇士、贴门画的风俗，以后历代不衰。清代中叶更为盛行，全国各地均有年画，而且形成了各自的地方风格。最著名的当数北方的杨柳青年画和南方的桃花坞年画。此外，山东潍坊、河南朱仙镇、河北武强、广东佛山等都是著名的年画产地。
民间玩具是民间美术中的一个种类。劳动人民用自己灵巧的双手，就地取材、因材施艺，制作出精美的艺术品。这些玩具体现着劳动人民自己的审美情趣，包含着劳动人民的智慧、理想、祝愿与爱心，也是对儿童进行审美培养和传承民风民俗的教具。
刺绣主要用于服装、鞋、帽、枕头、帐帘及钱包、香包等布什物。民间刺绣厂一间制作底样，造型质朴、大方，色彩上采用原色对比，平面色块的运用使色彩过渡跳跃感，先得鲜亮而富有喜庆气氛。
剪纸是人门十分熟悉的、用于装饰、烘托节日气氛的一种民间艺术，全国各地民间都有不同风格的剪纸品种。早在汉唐时代，就有用金银箔剪成花鸟，贴在鬓角做装饰的风尚。后发展为节日中用色纸剪成各种花草、动物、或人物故事，贴在窗户上、门楣上作为装饰之用，民间剪纸是表意性的，讲究构图的整体性、造型手法的适形特点。形象概括简练、虚实对比鲜明、线条规整流畅、色彩对比强烈。由于各地的风俗习惯不同，风格也异彩纷呈，大体北方粗犷豪放、造型简练，南方构图繁茂、精巧秀美。内容十分丰富，多以表达吉祥、美好的寓意。
剪纸除了用于窗花、挂千等起烘托节日气氛之外，剪纸图样还可以用作刺绣的“花样”，反映出其在生活中的实用性。
（四）评出最佳解说员，最佳解说背景课件，最佳自创作品给以奖励
通过展示调查报告、小组解说，自评、互评、师评，最后评选出最佳解说员、最佳解说背景课件，并分别给予奖励，进一步激发学生的学习热情。
（五）讨论思考
学生集体讨论、思考。
为唤起全社会对民族民间文化保护的自觉意识与行动，从2006年开始，我国将每年6月的第二个星期六确定为“文化遗产日”。据了解，在第一个“文化遗产日”里，各地将积极倡导举行相关的公益活动，如开展
“爱我遗产、优化环境”系列活动，举办文化遗产展和民族传统文化展、专家咨询及文物收藏鉴赏活动等。
议一议：如何开展民间美术的继承与创新活动？
（六）欣赏拓展
1．现代生活中的民间美术
2．奥运标志与民间美术
提问：奥运标志中的图形与那种民间美术有关？
3．视频欣赏：动画片《奥运吉祥物》
（七）布置作业
同学们自己尝试制作一幅剪纸作品。
（八）本课结束，师生再见。
教学流程
教学线索
教学内容、流程
策略与方法
开始
欣赏导入
1．视频欣赏：
2．出示课题
欣赏、提问
导入新课
欣赏美
民间美术的分类
1．实物展示、辨认
2．民间美术的种类简介：
说一说、认一认
看一看
了解美
民间美术简介
1．概念
2．民间美术与民俗活动
阅读理解、讨论与研究
走进民间美术
学生课件展示
1．年画课件
2．民间玩具课件
学生展示
生生互动
民间美术的特点
一、生活实用：实用简洁，因材施艺
二、审美需求：质朴率真，乡土气息
三、表达情感：热烈夸张，象征寓意
（1）独立的符号系统（2）含蓄寓意的表现方法（3）多元的造型方式
创设问题情境
讨论与研究
欣赏与理解
评价美
传承与创新
议一议：新华社新闻一则
阅读理解
讨论探究
结束
欣赏拓展
1．生活中的民间美术品
2．实践剪纸操作
欣赏拓展，结束教学
教学反思：
1．本课尝试把研究性学习引入高中美术鉴赏教学，教学过程中师生双方共同创设了一个平等、和谐、互动的教学氛围。学生课件的展示交流，民间美术的传承与创新的讨论构成了本课的亮点。
2．创设情境、研究主领，引导学生体验、思考、鉴别、判断，提高他们的审美素养。学生课件的展示，使学生在生生互动中体验到成功的喜悦，并形成一种探究问题、解决问题的良好习惯，促使学生自主发现并思考解决问题的方法，培养了学生的创新思维能力。
3．通过课前资料的收集、课上的学习，学生对民间美术已不再陌生。通过对“如何开展民间美术的继承与创新活动”的热烈讨论，学生们提出了很多好的想法，如：“把民间艺人请到身边”“从小加强民间传统文化的学习”“学校开设民间美术研究型课程”等，一个个金点子充分体现了学生继承祖国传统文化的信心。在提高鉴别和判断能力的同时，进一步弘扬了民族传统文化，抵制了不良文化的影响。
郑亚林中国画艺术 篇3
喻禅于画，以画养心——赏花鸟画家郑亚林先生其人其画
文 徐海明
我与郑亚林先生相识不久，也是因书画结缘。所以也算是君子之交。
初识郑亚林先生就被他的谦和的品性所感染。对于艺术家而言，能否创作出有价值的艺术作品取决于艺术家的心态。所谓的心态可以分为艺术家为人处世的态度和其对待艺术创作的态度。这两者之间尤以前者更为重要。郑亚林先生为人谦厚。尽管其在绘画方面有很高的造诣，研习中国古今经典名作，进而形成自己独特的风格，仍能虚心纳下，向比自己水平低的画家求教。正是秉承了“弟子不必不如师，师不必贤于弟子”的古训。单凭这一点也是非常人所能及。
在绘画方面，郑亚林先生崇尚清代虚谷画风。因而，在他的绘画作品中，我们也能看到虚谷的影子。虚谷作为“海上四大家”之一，被誉为“晚清画苑第一家”，有着与多数文人、艺术家相同的坎坷人生。
郑亚林先生继承了虚谷作品中的精髓，不断研习，逐渐形成了自己独特的画风。
郑亚林的葡叶酣畅淋漓，大气磅礴。藤蔓蜿蜒，变化多端，笔力饱满。果实晶莹剔透，莹润诱人。他笔下的鸟雀，形态可掬，趣味十足。郑亚林先生立足于“外师造化，中得心源”的艺术主张和传统进行创作，他十分注重画面全局构图和墨韵气势，强调对物象的感知和理解。用强悍、稚拙、富有节奏的线条，描绘出一个又一个丰富多彩的物象世界。画面之上，又多以诗入画，韵味浓浓之感顿与画面画意恰当融合，使朴素与华丽，雅与俗共赏相得益彰。
朱光潜先生在《谈美书简》中针对美给予了以下界定：
一、节奏感。节奏是音乐、舞蹈和歌唱这些最原始也最普遍的三位一体的艺术所同具的一个要素。节奏不仅见于艺术作品，也见于人的生理活动。人体中呼吸、循环、运动等器官本身的自然的有规律的起伏流转就是节奏。人用他的感觉器官和运动器官去应付审美对象时，如果对象所表现的节奏符合生理的自然节奏，人就感到和谐和愉快，否则就感到“拗”或“失调”，就不愉快。例如听京戏或鼓书，如果演奏艺术高超，像过去的杨小楼和刘宝全那样，我们便觉得每个字音和每一拍的长短、高低、快慢都恰到好处，有“流转如弹丸’之妙。如果某句落掉一拍，或某板偏高或偏低，我们全身就仿佛突然受到一种不喻快的震撼，这就叫做节感。
对于中国画而言，气韵和章法与节奏有着异曲同工之趣。赏读郑先生的牡丹图，我们恰能感受到那股气韵和节奏正在慢慢渗透到我们身体的每一个部位。出自其笔下的牡丹形态各异，墨韵动人，或是妩媚妖娆，或是惊艳动人，或是气质咄咄，都会令我们爱不释手，甚至有一种浑然天成之妙。这恰是画家对画的气韵和章法掌握的结果。
二、移情作用：19世纪以来，西方美学界最大的成就在于对移情作用的研究和讨论。所谓“移情作用”指人在聚精会神中观照一个对象(自然或艺术作品)时，由物我两忘达到物我同一，把人的生命和情趣“外射”或移注到对象里去，使本无生命和情趣的外物仿佛具有人的生命活动，使本来只具物理的东西也显得有人情。最明显的事例是观照自然景物以及由此产生的文艺作品。
在诗歌领域有一种说法：“一切景语皆情语。”这也同样适用于绘画。如果一幅绘画作品没有画家自身的情感的倾注，即使形象再精准、逼真，那也是一幅失败的作品，是一幅没有生命的创作，就其艺术价值而言，它只起到了“照相机”的功能，即便如此，摄影家的作品同样也是有情感注入的。郑先生在创作的过程中，把他对社会和自然的理解全都渗透到了他的作品之中。观其秋菊图，菊花的那种“宁可枝头抱香死，不曾吹落北风中”的倔强和不与凡俗同流合污的气节更像是画家在对世人言明心志。
舞蹈艺术与戏剧艺术的艺术特征 篇4
“动作的魅力, 即舞蹈的本质。”动作, 历来被认为是舞蹈区别于其他艺术的主要特征。在舞蹈理论史上, 对舞蹈动作的研究是一个始终不可避免的基本问题。研究舞蹈的基本构成、舞蹈的本质、舞蹈的艺术特征等等问题都会涉及到“动作”。
一、表情与叙事
动作与言语, 分别作为舞蹈与戏剧的基本艺术形式, 必然使舞蹈重在表情而戏剧长于叙事, 这是它们的另一个重要区别。回顾一下亚里士多德关于戏剧的那个定义, “悲剧是对于一个严肃、完整、有一定长度的行动的模仿”, 对一个完整的行动 (事件) 的模仿, 就是演员用语言和动作把那个事件再复现一次, 这就是叙事。
在这一点上, 舞蹈与戏剧截然分开。因为舞蹈的意义就在于它的每一个动作本身, 而这些动作是表现性的, 不是叙事性的。“表现性是舞蹈作为艺术的首要意义。”“舞蹈的目的是要表现人类灵魂中最崇高也最内在的各种情感, 即那些来自于神, 太阳神、森林神、酒神、爱神, 并活跃于我们心间的情感。”如果从叙事的角度讲, 拙于叙事应该就是舞蹈艺术最大的局限所在。
所以, 与戏剧相比, 舞蹈是空间性的, 对舞蹈的感知依赖于空间, 因为“舞蹈只有掌握了空间才能获致它最后的和具有决定性的效果”。对舞者来说, 空间才是他真正活动的王国。玛丽·魏格曼充满诗意地描述了舞蹈、舞者与空间的关系:“这一空间它可以打破所有的身体的界限, 可以转化为外貌流畅的姿态进入一种无止境的意象里去, 有如光线, 有如溪流, 有如呼吸那样在无止境的自我完成中失去自己的意象中的流畅的姿态。高和低、宽和窄、前向、侧向和后向, 水平线和对角线, 对舞蹈家来说这些不只是术语或者理论概念。归根到底, 他得以他自己的身体来体验它们。
二、象征与模仿
表情与叙事之间的区别, 其实就是舞蹈与戏剧各自追求的艺术目的的不同。相对应的, 为了达到表情与叙事, 舞蹈与戏剧必然采用不同的艺术手段。
象征, 是舞蹈的主要表现手法。所谓象征, 也就是象征者和象征物之间存在着某种同构关系, 是一种内在的一致性, 正如索绪尔所说的。
戏剧用模仿来完成它的叙事。所谓模仿, 就是模仿物与被模仿物之间在外在形态上达到某种一致。
戏剧的模仿主要体现在演员与角色的扮演关系上, 即“用活人来模仿活人”。这种手段与对象之间的一致性, 造成了戏剧特殊的艺术效果, 直观、直接、直达。
国画艺术 篇5
“让每个孩子都能享受艺术的熏陶，让每位学生都能得到最充分发展”，把学校办出特色，形成品牌，才能赢得社会的认可、家长的满意。学校要创建特色，要吸引家长和学生，就要整合资源，因势利导，形成自己学校的办学特点。
鲍沟镇宋庄小学有两位具有书画特长的教师，充分利用这两位教师的能力、利用这些资源和特长，开展书画艺术特色教育是学校自身发展的需要，也是深化教育改革把教育办成创新精神和创新人才摇篮的需要。为此，学校决定，以此为突破口，开展书画艺术教育的探索。
李兆虬国画艺术欣赏 篇6
济南出版社副编审
中国美术家协会会员
山东省书法家协会会员
山东画院高级画师
济南市美术家协会副主席
1992毕业于山东艺术学院美术系
2002年结业于中央美院李少文工作室
2004年结业于中国科技大学中国画高研班
作品参展
2008年第三届北京国际双年展
2008年心系汶川美术作品展
2007年建军80年全国美展
2007年齐白石奖中国画展
2005年长江颂中国画提名展
2005年中国首届写意画展
2005年第二届中国美协会员精品展
2005年抗战胜利60年全国中国画展
2004年第二届中国人物画展
2004年全国中国画展
2003年第二届中国美术金彩奖作品展
2003年第二届全国中国画展
1997年第九届全国美术作品展
1997年首届中国人物画展
第四、五届全国体育美展
1987年第一届中国艺术节
获奖
2004年全国中国画金奖 《王贵与李香香》
2005年抗战胜利60年全国中国画展优秀奖 《武工队》
2003年第二届中国美术金彩奖优秀奖 《农贸市场》
2002年全国新闻出版书画大赛银奖 《棠棣树下》
2002年济南文艺奖
2008年山东省泰山文艺奖
出版
《李兆虬国画作品集》
《李兆虬水墨人物作品精选》
《水墨意象人物——李兆虬》
《人物名家——李兆虬》
霍春阳国画艺术的局限性 篇7
关键词：笔墨,传统,虚静,保守
霍春阳的作品早已名噪四方了,各种美术批评家及理论家也从各个方面阐述了霍春阳的艺术人生和艺术风格。著名理论家薛永年教授更是把霍春阳的作品吹捧为当代“逸品”,以至于霍氏每次出版画册都必然要把这篇文章当作序言。可见霍春阳的作品确实受到了国内专家的认可。笔者认为霍春阳的花鸟画艺术的确在当代独树一帜,可以说在现代的画家中霍春阳的花鸟画是最传统最精到的。任何事物都是有两方面的,既然有优点就必然会有缺点,而中国的理论家们对画家的作品只说优点不说缺点,这是由中国人的做事习惯决定的。但是作为一个有责任感的批评家或理论家还是应该真实的反映事物的真实情况。下面笔者从四方面来谈一谈霍氏花鸟画艺术的局限性。
一、对于笔墨认识的误区
霍氏的花鸟画是具有一定的师承关系的。他20世纪60年代考入天津美术学院受业于著名画家孙其峰先生。孙为当代著名教育家,这是大家耳熟能详的。在1985年以前霍基本上是学习孙其峰的技巧,吴昌硕的作品风格揉杂其中。这时期典型的代表作品为他与孙其峰合作的《山花烂漫》,迎春花为霍作,石头为孙补。当时的社会文革刚结束,人们需要一种崭新的题材来表达对于社会前途的希望,而迎春花则莫过于最恰当了题材了。正是这一作品让霍氏一夜成名。三十岁就被名师带出可谓命运之神眷顾他了。从1996到2000年霍春阳开始了一种探索。这一阶段他开始向更多的人学习。比如文同,柯九思,恽寿平等人。他上一阶段96年之前认为柯九思的作品没有什么变化,认为不好。到这一阶段开始意识到柯九思的东西还是很高的。这一时期笔者认为他的画风是从“野”到“文”的过渡时期。从2000年以后到2010年这十年可以说是霍春阳画风的成熟期,这一时期的笔墨大都很精到,单从笔墨角度分析没有什么可指摘的地方。他对笔墨的认识是“虚静”,不太主张用太多的干笔,这些都是非常有道理的。但是他的这一主张似乎并不合理,比如对于画中含“金石气味”的画大加批判,批评吴昌硕画中含“燥气”、“村气”,齐白石黄宾虹也是、批石涛八大打野战,画有“邪气”。笔者查阅了历代画论,里面并没有关于“燥气”、“邪气”之说,可见“燥气”、“邪气”并不能作为评价画作的标准。在他眼中似乎只有文同、柯九思、苏轼、赵孟頫等人的画最好。他一生最崇拜宋元的画,笔者认为宋元的画再好也只是那个时代的产物,现在反过来复制那个时代的作品意义不大。所以说霍氏对于笔墨的认识存在一定的误区,而这种误区对人的影响是致命的,他的弟子辈当中没有一个不受他这一思想影响的。
二、题材的单调性
霍春阳的恩师孙其峰一生画过的花鸟画题材甚多,可以说除了一些大型动物之外孙其峰绘画题材之广在当代无人能及。但弟子想要在题材方面超越老师那几乎不可能,所以说给霍春阳留下的空间比较小,霍氏只能选择几种适合自己的题材来练习,那么霍氏选择了梅、兰、竹、菊、荷花、牡丹这些传统文人爱画的题材,定好了题材便使劲练习,练习到想画什么可以不假思索随手就来的程度。从1976年与孙其峰合作的《山花烂漫》迎春花题材到2016年的作品,笔者初步统计单从花草题材来说梅、兰、竹、菊、荷花、牡丹、桃花占总数80%,小花小草占10%,松柏等大型植物占10%。从鸟的题材来说就更别提了,“霍家傻鸟”占90%,鹰、鸳鸯、十二生肖占10%。
三、构图的重复性
霍氏的构图形式基本以折枝为主。对于折枝的构图方法我国古代早就有了。宋代马麟,杨无咎等人的作品就是典型的折枝构图,到后来元代柯九思、倪瓒,明代徐渭、陈淳,清代恽寿平、扬州八怪等人都有折枝构图的形式。但尽管如此他们依然有大量构图复杂的作品传世。但细看霍氏的作品我们很难发现构图复杂的作品,大幅作品也很少见,而且也是折枝构图。构图的重复性使他的作品看起来千篇一律,丝毫没有新鲜之感。比如画竹子,一般的竹子作品就是一支竹子一块石头,较复杂的就是两三支竹子,我没有见过他画的超过五支往上的竹子。所以说构图一旦重复再加上画的速度之快数量之多,霍氏的作品怎么看怎么感觉像是在练习,最多称其为习作而不是创作,因为没有“经营”的成分在里头。南齐谢赫的“六法”当中说的“经营位置”就是说的位置要经营,这是中国画的很重要的一个因素。
四、不可避免的“俗”性
一个有大成就的画家必然是游历四方然后才能画出胸中丘壑,而且最好是多移居。用董其昌的话说就是“读万卷书行万里路”就连齐白石还五出五归呢。而霍氏自从留校后就一直在天津发展,除了年轻时跟孙其峰先生去过北京颐和园,山东菏泽写生外其他地方应该并不是为画画而去的。著名画家李孝萱说:“天津是个很复杂的城市。清人有句'四方杂处,民风不振'就指的天津。这里的人最大的嗜好就是'俗'。”既然生活工作于这样的城市就不可避免的带有那股俗劲再加上市场经济的推波助澜,想不俗都很难。天津的画廊行业非常火爆,造假画的卖假画的比比皆是,地点主要集中在地纬路、古文化街、鼓楼。尤其是地纬路一条街全是画廊,而这些画廊当中几乎每家都有霍氏作品的收藏。人们有戏言这条街“霍家傻鸟满街飞”说的就是霍氏画作在这里火的程度。前脚在画室里刚画完后脚就被画商买走挂到了画廊,学生学习就能天天见到原作而且是近作。巨大的商业价值使得霍画不得不俗不得不快。这严重阻碍了霍氏艺术的发展,然而这一点霍氏并不是不清楚。
浅析国画艺术中意境表现手法的变迁 篇8
一、中国画重意境的渊源
1.儒家、道家思想的影响
儒、释、道, 是对中国影响最大的思想流派, 是中国哲学所依存的思想和美学基础。儒家“穷则独善其身, 达则兼济天下”“修身、齐家、治国、平天下”的积极入世的人生态度, 标示了儒家以“自我完善”为目标的人生追求。它讲究的是外表与内涵的双层修养。道家思想始于春秋末期的老子, 是中国春秋战国时期诸子百家中最重要的思想学派之一。《汉书·艺文志》云:“道家者流, 盖出于史官, 历记成败存亡祸福古今之道, 然后知秉要执本, 清虚以自守, 卑弱以自持, 此君人南面之术也。”在这个意义层面上来讲, 道家思想有着自己对人对事的独特的观点, 它强调独有的宇宙、社会和人生领悟, 在哲学思想上呈现出永恒的价值与生命力。儒家、道家的这种思想, 给予古代绘画以灵感, 对绘画重意境的传统的形成有很大的推动作用。
从美学意义上来讲, 意境就是超越具体的、有限的物象、事件、场景, 进入无限的时间和空间, 从而对整个人生、历史、宇宙获得一种哲理性的感受和领悟。这种带有哲理性的人生感、历史感、宇宙感, 就是“意境”的意蕴。所以, “意境”是“意象”中最富有形而上意味的一种类型。由此可见, “意境”理论的思想根源应该是儒、道思想哲学。
2.诗歌重意境的影响
中国是诗的国度, 诗歌是重意境表现的, 中国自古就有诗画相通的观点。苏轼曾经评王维的诗画:“味摩诘之诗, 诗中有画;观摩诘之画, 画中有诗。”这应该是对诗画相通观点的最好注脚。因此, 不难看出, 诗歌的重意境传统对绘画的影响是很大的!
二、国画意境表现手法上的变迁
中国画发轫之初, 是以线条为重要表现手法, 可以讲, 线条组成了中国画早期发展的最初要素。线条要素是国画后世进一步发展的基础, 而且也是国画几千年发展中的一以贯之的表现手法。
1.线条, 创国画古朴之境
古人云:“无线者非画也”。我们的先祖, 一开始就把线条作为表现意境的重要手段, 可能源于远祖古朴的简单的思想认识。这在原始绘画作品中得到很好的体现。早期绘画作品是创作在岩壁、陶器和钟鼎上的, 当然也有一部分帛画, 只不过为数不多或大多没留存下来。这些作品就奠定了后世中国画以线条为主要造型手段的基础。
比如, 陶器是新石器时代的产物, 陶器分黑陶、白陶和彩陶。在新石器时代重要遗址西安半坡村出土的彩陶上, 画有互相追逐的鱼, 跳跃的鹿;甘肃永靖出土的一件摹拟船形的陶壶, 观之, 让我们如身临其境, 如见其人, 如闻其声, 可以说是情景历历;另外, 青海大通孙家寨发现的舞蹈彩盆上, 绘有3组5人携手踏歌图, 表现出青春的活力。这些作品, 是研究中国画史的根源。
2.浓墨与重彩, 绘飘逸之势
水墨画是绘画的一种形式, 缘起于唐朝。但是更多时候, 水墨画被视为中国传统绘画, 也就是国画的代表。基本的水墨画, 仅有水与墨, 黑与白色, 但进阶的水墨画, 也有工笔花鸟画, 色彩缤纷。后者有时也称为彩墨画。在中国画中, 以中国画特有的材料之一, 墨为主要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等, 画出不同浓淡 (黑、白、灰) 层次。别有一番韵味称为“墨韵”。而形成水墨为主的一种绘画形式。
例如, 水墨写意画, 利用浓墨重彩, 达到“写意”的目的, 石涛说过“画者从于心者也”。画家虽然要以客观世界为依据, 但不是被动地模拟对象, 画中的客观对象已经经过了画家心灵的陶融, 注入了自己的感受, 表现出特定的趣味和情感。通过作家的出神入化的点拨, 意境往往飘然纸上。像中国著名山水画家张铁石, 他笔下的山山水水特别具有灵性, 简洁的几笔往往意境跃然纸上。比如, 《黃金河畔秋意浓》, 朦胧的远山与火红的枫叶相映成趣, 江上点点渔船平添生机和活力, 薄薄的暮色衬托出一副浓浓秋景图。整体给人一种飘逸的气质。当然, 在国画中, 水墨与线条是紧密相联、并列依存的。国画对水墨的强调, 实质是绘画艺术由俗到雅的转换, 是古代绘画文化意识的自觉, 是绘画语言形式的发展与丰富。它为国画传神写意开拓了更广阔、更自由的驰骋空间。
3.简笔与素描, 现随意之形
水墨漫画, 即构思上具有漫画的特点, 题材广泛, 或讽刺或赞美, 但表现手法上运用中国传统水墨画技巧, 兼具其雅致。较之一般的漫画, 水墨漫画更具有观赏价值。这种漫画, 表面上随意泼洒, 率性而为, 实质上, 却体现了漫画的随意。况且, 从意境上看, 这种绘画, 意境深远, 极易引发观赏者深深地思索!它的出现扩展了漫画的表现、观赏领域与品种。中国的水墨漫画也涌现了很多优秀作者, 如丰子恺、华君武、黄永玉等人, 同时也涌现了许多优秀作品。
国画的画工无需太过详细、复杂, 主要表现为其意境。国画的精神在于随意, 即跟着自己的意象来决定画的形象, 无需大费周章得一一细细描绘。
三、国画意境表现技巧的运用
经过多年的积累, 国画的表现技巧不断丰富, 从设色角度讲, 就分为重彩法、淡彩法以及泼彩法等, 各种方法都能给我们展现美妙的意境氛围。
1.重彩法
这种画法多为工笔画, 以青绿主色, 故称“青绿山水”, 也叫“大青绿”。这种设色只能在熟绢熟纸上进行。先用淡墨勾出轮廓红, 再运用工笔画的种种设色方法, 一层层地把颜色染上去, 最后用浓墨勾勒开醒, 点苔提神。在青绿山水中常用的方法有:衬托法、渲染法、笼罩法等, 此处不再赘述。
2.淡彩法
这种设色适用于写意画法或半工半写的画法, 它以水墨为主, 色彩只起辅助作用。用淡彩法, 墨骨很重要, 墨骨画得好, 画得足, 物象在纸上立了起来, 这时只要“轻拂丹青”, 则能增强作品的神彩韵味。
3.泼彩法
这是种以泼墨法为基础, 借用工笔花鸟画的“撞水”“撞色”二法, 并从西画中吸取营养而创造出来的新技法。张大千、刘海粟是我国泼彩法造诣最高的大师。
总之, 中国画的发展历程中, 一直重意境, 重创新。其表现手法也不断革新, 这些元素的发展为国画的发展提供了内驱力。探讨国画表现手法对意境的作用, 必将对国画的长远发展奠定基础!
摘要：中国画是中华民族悠久的文化传统中的一朵奇葩, 在众多的艺术门类中, 绘画的审美意蕴更浓厚, 更有意境。其意境表现手法, 我们会明显看出一条主线——写意。重在分析国画艺术发展中意境表现手法上的变迁, 并对绘画中的意境表现进行探讨!
关键词：国画,意境,写意
参考文献
[1]杨一笔.初探国画之“四意”[J].戏剧文学, 2008, (04) .
[2]赵权利.国画规律与今古之变[J].美术观察, 2008, (08) .
艺术和艺术作品 篇9
把艺术作为一门学问来研究, 是一种非常“时尚”的选择, 这并不是我们时常挂在嘴边的那种时尚, 而是指这正是人类面临的共同话题。正如法国作家马尔罗预言——21世纪的发展, 要么是文化的发展, 要么什么也不是。
艺术和艺术品
文化是人类在社会历史发展进程中所创造的物质财富和精神财富。如文学、艺术、教育、科学等。文化消费除了纯粹的精神文化概念消费以外, 还包涵于广大的物质文化消费之中。艺术作为精神文化生活的最集中体现, 在相当程度上是衡量社会文化生活的尺度。“盛世藏宝, 乱世藏金”, 在当下的中国大地上正逐渐升温的收藏热, 即是经济蓬勃高涨的另一体现。
当代社会最应该重视的, 人们恰恰淡漠了, 那就是人的情感, 而艺术恰恰是情感的载体。对艺术的研究, 实际上也就是对人及其情感的研究。在人们的精神世界中, 或者说在文化的结构里, 情感占有极其重要的地位。它虽然属于感性的范畴, 却是一切理性的源头、内涵和基础。这就是古人所说的“道始于情”。如果离开人的情感, 不以真挚善良的情感为基础, 一切形式上的文明礼貌、行为规范只不过是一种虚伪和做作。从这一点来说, 艺术研究是21世纪人类社会需要特别重视的。
那么艺术是什么?什么是艺术呢?
我们应该且很有必要明白艺术到底是什么, 明确了这一点我们才会有真正的目的去追求艺术和热爱艺术。艺术是什么?这样的问题, 艺术家也未必能精确地回答。因为, 艺术的内涵和外延, 实在太丰富, 决非三言两语所能概括。《辞海》把艺术的内涵和外延作了解释:
“人类以感情和想象作为特性的把握世界的一种特殊方式, 即通过审美创造活动再现现实和表现情感理想, 在想象中实现审美主体和审美客体的互相对象化。具体说, 他们是人们现实生活和精神世界的形象反映, 也是艺术家知觉、情感、理想、意念综合心理活动的有机产物。作为一种社会意识形态, 艺术主要是满足人们多方面的审美需要, 从而在社会生活尤其是人类精神领域内起着潜移默化的作用。根据表现手段和方式的不同, 可分为表演艺术 (音乐、舞蹈) 、造型艺术 (绘画、雕塑、建筑) 、语言艺术 (文学) 、综合艺术 (戏剧、影视) 。根据表演的时空性质, 又可分为时间艺术 (音乐) , 空间艺术 (绘画、雕塑、建筑) 和时空并列艺术 (文学、戏剧、影视) 。”
读这样的概念, 总觉得和生活中的艺术隔着很远一层距离。面对这类理性十足的文字, 会使很多原本热爱艺术的人也望而生畏。何为“审美主体和审美客体的互相对象化”?什么是“知觉、情感、理想、意念综合心理活动的有机产物”?恐怕会解释得使人愈加糊涂。关于艺术的分类, 有道理, 但也难以将千缕万脉的分支归纳得清晰而合理。
其实, 艺术对日常生活的影响和参与无所不在。在人类发展的漫长历史中, 人类的艺术活动和追求大概是贯串始终的。
艺术是人们把握现实世界的一种方式, 艺术活动是人们以直觉的、整体的方式把握客观对象, 并在此基础上以象征性符号形式创造某种艺术形象的精神性实践活动。它最终以艺术品的形式出现, 这种艺术品既有艺术家对客观世界的认识和反映, 也有艺术家本人的情感、理想和价值观等主体性因素, 它是一种精神产品。
艺术与其它意识形态的区别在于它的审美价值, 这是它的最主要、最基本的特征。艺术家通过艺术创作来表现和传达自己的审美感受和审美理想, 欣赏者通过艺术欣赏来获得美感, 并满足自己的审美需要。除审美价值外, 艺术还具有其它社会功能, 如认识功能、教育和陶冶功能和娱乐功能等。其中艺术的社会功能是人们通过艺术活动而认识自然、认识社会、认识历史、了解人生, 它不同于科学的认识功能。艺术的教育功能是人们通过艺术活动, 受到真、善、美的熏陶和感染, 而潜移默化地引起思想感情、人生态度、价值观念等的深刻变化, 它不同于道德教育。艺术的娱乐观念是人们通过艺术活动而满足审美需要, 获得精神享受和审美愉悦, 它不同于生理快感。
艺术, 是人们为了更好地满足自己对主观缺憾的慰藉需求和情感器官的行为需求而创造出的一种文化现象。艺术, 是人们在日常生活中进行娱乐游戏的一种特殊方式, 又是人们进行情感交流的一种重要手段, 属于娱乐游戏文化的范畴。
艺术属于娱乐游戏文化的范畴, 是人们为了满足自己对主观缺憾的慰藉需求和情感器官的行为需求而创造出的一种文化现象, 这种文化现象的本质特点是用语言创造出虚拟的人类现实生活。艺术是人们进行情感和思想交流的一种文化形式。
在希腊语中, 艺术一词兼有两种涵义:一是指美的作品;二是指创造、技巧、技艺。艺术品就是具有审美价值的人工技术制品。由此, 我们又可得出一点启示, 当我们称赞一部艺术品优美时, 往往是蕴涵着两层意义:一是指这件作品的表现形态非常优美, 二是指这件作品的制作技艺非常优美。这两种不同的评价, 前者对物、对作品, 后者对人、对艺术家。
随着社会的发展, 生活的进步, 人类的想象力和创造力也在不断地变化进展, 艺术从本能的宣泄演变为文明人类精神生活的必需。生活造就了无数艺术家, 艺术家的创造, 也丰富美化了人类的生活。
艺术打破了时空的界限, 使暗淡的人生变得有了光彩。艺术在潜移默化中提升着我们的情趣, 扩展着我们的想象力。
美术作品的创作又有别于别的艺术门类, 是一种复杂的精神活动和生产制作活动, 是现实生活在画家头脑里的反映的产物。艺术美是真善美的高度统一, 它是一切艺术创作必须设定的自觉的目的。每个艺术家都应该在其作品中显现出他对于美的独特感受和理解。现实美和现实丑都是美术创作的源泉。通常被看作内容的东西, 只是艺术借以表现自身的真正形式, 而通常认为只是形式的东西, 恰恰构成了一件艺术品的真正内容。美术作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。
一件真正的艺术作品, 必须满足两个基本条件:一是它必须是人类劳动和智慧的创造物, 二是它必须能给人以精神上的愉快感受, 即具有审美价值。
而在现在, 一些想借艺术平步青云的人, 总是在思考着画什么、什么样的画才可以出名的问题。缺少对艺术的真诚, 缺乏那种能打动人的真实情感。这种人实际是在研究成功之路, 而非研究艺术本身。画画重要的不在于你画什么样的内容, 内容只是作为一种载体来表达你对生活的种种感悟, 对生活的态度。社会在发展, 我们的认识也在变化。绘画就是在记录这种变化, 就像日记, 记录着对生活的理解、感受, 画自己感兴趣的, 激动人心的。其实可画的内容很多, 关键在于能真实的反映生活, 反映自己的真情实感。
艺术不仅仅是知识、技巧。艺术, 说到底不过是个人情感的载体, 而对于人类的情感的忽视, 正是现代社会的弊端之一。
艺术是人们对美的创造, 是人们心灵对美的感悟而营造的东西, 它具有感性和理念的双重审美价值。艺术应当是纯粹的、感性的东西, 它不应该受到人为的束缚和亵渎。可是在现实中, 艺术经常受到人为的干扰, 固步自封者喜欢把艺术固定化、神秘化, 试图以绝对的理念和不变的规范来约定艺术, 使艺术成为高高在上只供少数人享用的奢侈品, 他们竭力地隔断艺术与大众的联系, 使艺术成为孤家寡人的艺术, 而其实脱离大众的艺术是缺乏根基的艺术, 没有大众参与的艺术最终是没有生命力的。
艺术本应是宽容的, 博大的, 它以真诚和热情为基础, 一切美的、能给人以审美愉悦的东西都应该包容。一切刻板的、唯我独尊式的思想才是不足取的。艺术, 它应该是纯正的, 它应该是出自人们内心的东西, 因此任何以艺术为名而行亵渎之实的行为都应被人们视为不齿。
价值是艺术品的灵魂, 艺术品是价值的寄存体, 两者是同时酝酿, 同时创造出来的, 有了艺术品, 价值也就客观地存在那里了。而艺术家的思想深度、美学品位和艺术技法、艺术表现能力的高低决定着被创造的艺术作品的总体价值的水平。
文化背负着不断创新的使命, 艺术面临着不断更新的任务, 不然就难以应对时代的挑战。但创新更新不是单纯追逐怪异荒诞, 不应该以丑哗众、迎合低俗。
结论
一位艺术工作者, 需要有一种慈悲的情怀, 对人的深层的关爱, 对人, 对自己, 对整个人类。更要有忧患意识, 艺术不仅是情感的表达, 也是情感的滋养。艺术研究需要精研穷究, 需要特别关注和重视人的终极关怀。只有这样才能不断地发现真理, 接近真理。
参考文献
[1]朱超林.《创作之我见—关于油画艺术的思考》, 2008年
[2]孙家正.《艺术的真谛》在中国艺术研究院开学典礼上的讲话, 2006年9月29日
[3]赵丽宏.《赵丽宏散文集》, 上海文艺出版社, 1984年
艺术美育:守护艺术门槛 篇10
鲁迅先生说:“文艺是国民精神所发的火光,同时也是引导国民精神的前途的灯火。”换言之,文艺是时代前进的号角,最能代表一个时代的风貌和气象。在教育教学传播中,它具有育人和化人的感召力,同时它本身又是一项具有较高精神追求和审美情趣的精神活动,对广大青少年能起到滋养心灵、陶冶性情、增加情趣、提升学习品质和思想境界的作用。因此,重视艺术与美育的文化价值的引领是我们教育工作者的责任和义务。
美育和一般教育形式不同,美育的特征就是以美喻情,以情动人,即运用审美形象的感染熏陶作用塑造人的知情意行。艺术美源于现实美,又高于现实美;艺术美育应成为学校美育的核心内容。理解艺术美育是人的自我塑造和自我教育,主要表现在三个方面:首先是在艺术美育中,应当努力激发学生的情感体验,引导学生理解美的本质、内容和境界,从而在实质意义上得到美的陶冶;其次是艺术美育还应当努力使学生理解掌握不同艺术形式及表现方式,不同艺术体裁和风格的特点,从而提高艺术的鉴赏能力;再次是让学生通过必要的训练,具有一定的艺术表现或创造能力,提高学生在艺术实践方面的修养。
一、什么是学校的艺术美育
艺术美育是指通过学校艺术教育的手段所实施的美育,是实施美育的主要途径。
首先,艺术美育所凭借的手段是不同于自然美、社会美的艺术美。艺术美具体地表现在艺术作品上,而艺术作品是艺术家创造性劳动的产物,是美的物化形态,它是通过艺术家灵悟的眼光,把现实中蒙眬的含混不清、不甚显露的美发掘出来,帮助人们认清什么是真正的美和丑。可以说,艺术美是人类高尚情感的结晶,它比自然美和社会美具有更高的美的层次。其次,艺术美具有一种动人心弦的神奇魅力和巨大的感染力。艺术品具有形象性与情感性高度统一的特点,在具体的、个别的、可感的形象性之中,渗透着艺术家的强烈情感,较之一般的生活形象更容易对人产生巨大的情感触动效果。再次,艺术美育的特点是寓教于乐,具有娱耳悦目、怡情养性的功能。它能使人们在艺术的欣赏和创造过程中既得到理智的满足和情感的陶冶,又得到创造的愉悦,从而在自觉自愿的审美活动中受到教育。所以,与其他形态的美育相比,学校中的艺术美育对人的素质教育更直接,更集中。
二、学校艺术美育的特殊功能是什么
美的事物,总是具有鲜明的形象性。艺术美育与其他教育区别就在于,艺术美育以具体的、形象的感性形式显现其深刻而丰富的内容。它使人听到、看到、感受到,从而在审美体验过程中感悟到作品所包含的深刻意蕴。这种意蕴,或许包含着清晰的哲理、明确的观念,或许是某种“说不尽、道不明”的感觉与体验,它与哲学、社会学、伦理学等理论研究所提供的逻辑理论,既密切相关,又迥然有别。因此,各类艺术使用的是具体生动的感性形象,离开了形象鲜明这一特征也就没有了艺术美。这种审美属性能激发人的情绪,使人们产生对自然、社会和人生的特殊感受,并且根据个人的审美理想做出美与丑的情感判断,激发起对美的崇尚,对丑的憎恶,从而达到陶冶人的性情,服务于社会发展与人类进步的目的。其功能可以归纳如下。
1. 情感陶冶功能。
艺术美育的特质,是一种情感教育,它能丰富并纯化人的情感,使人的身心得到自由和谐的发展。“情”是与生俱来的,既不能扼杀它、抑制它,又不能任其自由泛滥,因而需要规范它、丰富它、提高它。在长期的审美实践过程中,人们积累了丰富的审美经验,经过有意识的审美训练与培养,人们能获得各种不同的审美能力。人一旦进入审美状态,就会产生一种感性与理性相互交织的特殊情感状态。这种审美情感既是感性的,又是理性的;它在感性中积淀着理性的内容,而理性内容又完全消融在感性的形式之中。它消除了理性与感性的矛盾对立,是一种自由的、和谐的、高级的情感状态。一个人浸润在这种审美的培养环境中,自然会提高识美、爱美、懂美的能力,从而养成崇高的人生境界。
2. 激发创造功能。
艺术美育不仅能怡人、乐人,而且能使人在愉悦与享受的过程中,促进与激发人的想象与创造能力。因为艺术美是一种特殊的符号,要体验、品尝它的美妙,就需要有相应的解读这种符号的能力,要把艺术符号变成带有个人色彩的想象中的“形象世界”“情感世界”。接受艺术美的熏陶,就会使人的感觉更加细腻、敏锐。而敏锐的感觉、丰富的想象,即是人的创新、创造的灵魂。如爱因斯坦的小提琴,普朗克的钢琴,我国杰出科学家钱学森对绘画和音乐的热爱等,都充分证明了艺术美育对创造力的促进作用。
3. 启迪认识功能。
优秀的艺术作品在给人以审美享受的同时,还给人以道德的启示。如在世界各地的原始壁画中,我们可以了解人类祖先的狩猎场面,同时还启迪我们认识劳动者在狩猎中的团结协作。意大利的达·芬奇把绘画比做镜子,莎士比亚把戏剧比做演绎社会人生的模型。法国作家雨果认为,开启人类智慧宝库的钥匙有三把,即数学、文学和音乐。美能显示真理,开阔人的视野,发展人的思维。因为美与真有不可分割的有机联系。美是最能激发情感体验的感性形式,审美往往能使受众在愉悦的精神享受中,获得强烈的善的权益,从而影响甚至改变人的一生。艺术美育不仅能起到导德、辅德、促德的作用,而且能潜入人的内心深处,融入人的血液,成为饱含着情感的信念,即通过艺术的审美教育,能将道德的“纪律”,自然地转化为内在的“自律”,使主体的“目的性”自觉地合乎社会所要求的“善”的准则。所以,“审美是一种心灵的体操,它使我们的精神正直,良心纯洁,情感和信念端正”。
4. 调节补偿功能。
优秀的艺术作品不仅能够悦耳、悦目、悦心,艺术美又有真诚地表现主体情感欲望的主观表现因素。人们在现实生活中不可能获得的东西,却可以在创作与欣赏艺术美的过程中获得替代性的精神满足。社会经济文化发展的多元化,使现实世界充满了矛盾,主观与客观、精神与物质、理想与现实、情感与理智、显意识和潜意识等处处都有矛盾与冲突。由于艺术创作和鉴赏的过程渗透着主体的愿望与理想、幻想与梦想,因而艺术美育有着明显的调节补偿功能。精神分析学派代表人物阿德勒认为,任何个人都有某种生理或心理的缺陷与不足,因而都有某种自卑感和不安感,但任何个人都有追求优越的愿望与目标,如果他在某一方面经过特别的努力,获得了特别优异的能力或者成功,就会弥补或减轻个人的某种缺陷所引起的生理、心理的不安感和自卑感。
5. 审美娱乐功能。
艺术美的特殊功能就在于它能给人以感官的愉悦与精神的享受。艺术欣赏不同于科学观察、理性推理,艺术欣赏是一种再创造的过程。艺术品中常会出现怪诞或违背科学原理甚至生活常识的东西,如毕加索置三维空间的立体感于平面的抽象画。所以,庄子曾告知人们,欣赏一物,应“以神遇而不以目视”。欣赏者在感情的驱使下,通过想象和再创造,完全可以超越有限的物质媒介,去领会艺术品的意蕴,从中得到乐趣。中华民族历来有“乐教”的传统。儒、道、释三家美学虽然有不同的侧重点,但无论是孔孟还是老庄,都非常强调艺术的愉悦功能。在我国古代也不乏通过艺术理气、养神、畅神的说法,其宣泄的目的是达到心平气和。古人作诗文书画和歌唱舞蹈讲究主体的运气、顺气,这种生理和心理的贯通更是进一步说明了艺术活动对人的心理和精神健康都具有独特的效果。
